Честное слов, много раз смотрела на эту картину , пыталась понять, что же изобразил в ней художник, что он хотел сказать - и не понимала. Вижу, что это действительно образ ужаса, но не могла докопаться до его истоков. Пока не нашла всё-таки некоторые сведения и предположения. 

Тайна разгадки картины, мистика... читай здесь

Ну, так ли это на самом деле или это плод бурной фантазии -  не могу сказать...

В Осло находится музей Мунка, из которого 22 августа 2004 года двумя вооружёнными преступниками были похищены полотна "Крик" и "Мадонна" . Норвежская полиция обнаружила и вернула картины в конце августа 2006 года.

По материалам http://picmir.net/?p=3296
http://anastgal.livejournal.com/1046860.html
 

Трогательные и яркие цветущие ветки во многом для Ван Гога не характерны. Но все же и здесь художника ни с кем не перепутать.

Картина сразу вызывает мысль о японской живописи – и не случайно. Сам мотив весеннего цветения по праву принадлежит ей. И кроме того, как ни странно, Ван Гог был влияем этой манерой. Прожив два года в Париже, Винсент познакомился с полотнами импрессионистов и с японской гравюрой. И то, и другое впечаталось в его искусство. После Парижа весь юг виделся Ван Гогу «японским». Вопреки впечатлениям современников он видел «Японию» в пейзажах Прованса.

Он жадно бросался писать цветущие сады, цветущие ветки в вазах и стаканах.
Среди всех цветов, нарисованных Ван Гогом, цветущий миндаль 1890 года – особенная во многих смыслах картина. Она эмоционально значима для Ван Гога – так художник решил отметить рождение племянника – сына своего брата Тео Ван Гога.

Биографы знают, сколь важную роль играл брат в судьбе Ван Гога. Тео Ван Гог назвал малыша Винсент Виллем – в честь брата. Для живописца сошлись воедино начало новой жизни и весна – не могло быть лучшего сюжета для подарка, чем цветущие ветки.                         Ван Гог предполагал, что картина будет висеть в спальне Теодоруса и его супруги Иоганны.

Эта картина особенная и по колориту: здесь ветки как будто плывут на глубоком синем фоне – наверное, неба. Белые цветы играют великолепием оттенков: от зеленоватого до розового.

Известие о рождении ребенка Ван Гог получил в лечебнице в Сен-Реми. Там же он писал картину. Сейчас оригинал можно видеть в музее Ван Гога в Амстердаме.

Источник:/art.1001chudo, фото - arts-wallpapers.com, ru.wikipedia.org 

 

Зимой 1899 года, за несколько месяцев до смерти, Левитан отправился в Крым. У него болело сердце, и надежды на выздоровление уже не было, однако доктора прописали Крым с его свежим морским воздухом, и художник не стал им перечить - он обрадовался поводу ещё раз увидеть Ялту. Здесь Левитан отправился навестить Чехова, который поправлял своё здоровье на даче. У хозяина и гостя зашёл разговор о природе средней полосы. Поговорив, оба затосковали.

Тогда Левитан, взяв краски и кусок картона, за полчаса написал вечерний луг с мокрыми стогами. Вскоре он уехал, оставив набросок Чехову. Тот вставил картину в нишу камина и любовался ею. На юге не бывает сумерек. Яркий день почти сразу переходит в чёрную ночь. На картине Левитана показано то странное состояние природы, когда умирающий день никак не может окончиться, а ночь не смеет начаться, мир надолго становится серым, и сердце охватывает пронзительная тоска. Для ялтинского затворника эта тоска сумерек смешивалась с тоской по родине.

 Вот эта картина - "Сумерки. Стога."

 

История эта началась во времена правления Елизаветы Петровны и до сих пор окутана тайной и не поддается разгадке.

 Камера Петропавловской крепости,  в зарешеченное окно бурным потоком вливается ледяная вода - она подбирается уже к кровати, на которой в ужасе прижалась к сырой стене молодая красивая женщина. Выбраться из камеры невозможно - дверь закрыта, да и караульные, спасаясь от внезапного вторжения водной стихии, разбежались кто куда. Вот-вот поток воды захлестнет женщину...

Флавицкий К.Д. Княжна Тараканова. 1863

(Государственная Третьяковская галерея)

 Это - знаменитая картина Константина Дмитриевича Флавицкого в Государственной Третьяковской галерее. Даже в самый "тихий" музейный день у "Княжны Таракановой" - посетители, потрясенные острым драматическим сюжетом произведения. Художник изобразил гибель узницы во время наводнения в Петербурге в 1777 году.

 Впервые картина была экспонирована в 1864 году и имела невиданный успех. Она принесла создателю звание профессора, награды и мировую известность. Созданный мастером образ впечатляет настолько, что мы судим об этом историческом событии именно по картине вопреки несомненным фактам. Однако, исторические данные свидетельствуют:  заточенная в Петропавловскую крепость самозванка умерла за несколько лет до наводнения.

 Так кто же она, эта женщина на картине? Тараканова (княжна) - под этим именем известны в нашей истории две княжны: одна действительная(?), другая самозванка.

 Княжна  Тараканова Елизавета Алексеевна— самозванка, «всклепавшая на себя имя», авантюристка, кокетка и «искательница приключений», выдававшая себя за дочь императрицы Елизаветы Петровны.

 Она появилась ниоткуда. Еще вчера никто не знал о существовании этой женщины и вот теперь, пожалуйста: дочь русской императрицы Елизаветы и ее фаворита Кирилла Разумовского.

Ее натура жаждала интриг и приключений

Попытка занять русский престол, что может быть занятней! В России так быстро меняют царей, почему бы и не попробовать? Тем более что она, именно она - истинная дочь русской императрицы, в это она действительно верила.

Али Эмете (или как позже она себя назовет – Елизавета), сочинила вокруг своей особы немало легенд. В ее рассказах правда причудливо переплеталась с ложью.

 

ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

Портрет Шекспира на девушке из Моравии

Британское агентство World Info News опубликовало результаты экспертизы картины из собрания британского реставратора Алека Кобба (Alec Cobbe), на которой, по мнению многих искусствоведов и литературоведов, изображен прижизненный портрет Вильяма Шекспира. 

Согласно заключению исследователей, картина хранит под собой нижний слой, на котором изображена неизвестная молодая женщина, предположительно родом из Моравии.

 Картина из коллекции британского реставратора Алека Кобба, вызвавшая огромный резонанс в кругу британских историков искусства и литературы XVII века (в феврале 2009 года была передана на независимую экспертизу в лабораторию «Европейского исследовательского и архивного центра» (ERAC). Сотрудники ERAC провели комплекс современных исследований на предмет уточнения датировки, а также изучения условий создания картины, что должно было пролить свет на историю создания этого произведения. Результаты оказались сенсационными!

 

 Предполагаемый портрет Шекспира из собрания Кобба. Кадр CBS. 

 

Компьютерная реконструкция нижнего слоя картины. Кадр World Info News

 Современные исследования доски, на которой написана картина, подтвердили датировку, установленную в результате подсчета годичных колец древесины, проведенную в 80-е годы XX столетия (1610-е гг.). Вместе с тем, ученые с удивлением обнаружили, что исследуемая древесина – это не что иное как «моравский дуб». Этот вид дуба произрастает только в Моравии (юг современной Чехии), его древесина известна своей необычайной плотностью и издревле использовалась преимущественно для производства бочек для брожения солода. Иными словами для приготовления всеми известного и популярного напитка – пива.

 Каким образом, и при каких обстоятельствах эта доска попала в Англию и стала основой картины?

 Данные исследований картины, полученные при рентгене и ультрафиолетовом сканировании, обнаружили еще более сенсационное открытие! Уже первые изображения на экранах мониторов ERAC показали, что под портретом мужчины в кружевном воротнике скрыто ещё одно изображение.

 

 

Поскольку исследование картины не предполагало снятия более поздних слоёв ради обнаружения более ранних, учёным пришлось реконструировать нижнее изображение, основываясь на данных ультрафиолетового сканирования, а также на пробах красок из нижних слоёв, сделанных лазерной нано-иглой. Таким образом, мы можем видеть графическую и цветовую модель нижнего слоя картины, представляющую собой портрет молодой женщины.

 Нижний (первый) живописный слой по датировке точно совпадает с периодом первой грунтовки доски. Поэтому картину, которая не видела света ровно с тех пор, как поверх неё был написан предполагаемый портрет Шекспира, в лаборатории архивного центра уже успели наречь «Моравийской Незнакомкой».

 Случаи, когда действительно старые картины «смываются» с холстов, чтобы уступить место более ценным «находкам» не редки в мире искусства. Что касается предполагаемого портрета Шекспира, то изображение девушки, которое таил под собой портрет мужчины, не было стёрто или загрунтовано. Химический анализ красок говорит о том, что оба портрета были созданы примерно в одно и то же время (то есть с разницей не более чем в 5-15 лет).

 Принадлежат ли «Незнакомка из Моравии» и «Шекспир» кисти одного и того же автора, либо были написаны по заказу одного и того же человека, пока неизвестно. Так или иначе, достоверно определить подлинность произведения искусства можно только досконально отследив историю хранения и перехода собственности той или иной художественной или архивной ценности.

 Исследование продолжается, но уже сейчас понятно, что интерес к картине, несомненно, возрастет, и загадка личности «Моравийской Незнакомки» будет этому только способствовать.

http://www.vladimir.kp.ru/daily/24270/466063/print/

   

 

Случаются же и такие казусы...

 

 

В вещах Джанни Версаче нашли краденую картину

В коллекции произведений искусства, принадлежавшей покойному итальянскому кутюрье Джанни Версаче, оказалась украденная 30 лет назад картина. Сам Версаче не подозревал об этом, однако дом Sotheby's, который 18 марта продаст 550 предметов из собрания Версаче, снял эту картину с торгов. 

 Речь идет о портрете майора Джорджа Моула, написанном в 1783 году немецким неоклассицистом Иоганном Дзоффани.

 

 Картина, как выяснилось, оставалась с XVIII века у потомков Моула. У них ее и украли. К Версаче портрет попал в середине 1990-х, через 15 лет после кражи.

 Картину Дзоффани отыскали потомки майора Моула. Они обратились в организацию Art Loss Register, которая занимается розыском пропавших произведений искусства. Представители Art Loss Register связались с Sotheby's, и аукционисты согласились не выставлять картину. Она оценивалась в 40-60 тысяч фунтов стерлингов (55, 6 - 83, 4 тысячи долларов).

 // Lenta.Ru

http://www.colorzone.ru/se/smart.php?action=show&nid=1398&color=zone

Множество вариантов названий придумывалось для этой картины Эдгара Дега. Называлась она, в частности, "Любительница абсента", "Бокал абсента" и даже просто – "Люди в кафе". Но в конце концов, было решено назвать это произведение живописи не просто, а очень просто: "Абсент".

Работа создана в 1876 году. На картине изображено два человека. Один из них мужчина. Другой – женщина. Один в шляпе набекрень, у него, судя по всему настроение нормальное. А женщина, хоть и тоже в шляпе, смотрит тупо, с понурым видом. Перед ней стакан с зеленоватой жидкостью.

Между прочим, на картине изображены знаменитости. Для Дега позировала известная актриса, Элен Андре, и Марселен Дебутен, живописец, гравёр, известный своей богемной жизнью.

При первой публичной демонстрации, состоявшейся в год создания в Париже, критики называли это произведение уродливым и отвратительным. Просвистели картину, что называется, до дыр. Не лучше произведение приняли и на выставке в Лондоне (в 1893 году). Досталось там заодно и позирующим. Их лица называли шокирующе деградирующими и неотёсанными. Картина рассматривалась как удар по морали. Викторианская Англия вообще с подозрением относилась к французскому искусству, так что "Абсент" полностью оправдывал ожидания английских критиков. Они обзывали Элен Андре шлюхой, призывали к поднятию морали в произведениях искусства и пытались извлечь из этого неприятного сюжета какое-то жизненное наставление.

И знал в то время, наверное, лишь бог седобородый, что эта картина про обычное человеческое одиночество, про изоляцию людей друг от друга.

Но это произведение многим западало в душу, его часто вспоминали. И сам сюжет о женщине, тупо коротающей время за стаканом, бокалом, бутылкой или чашкой, стал бродячим... Что поделаешь? Распространённая жизненная ситуация.

В настоящее время картина "Абсент" находится в коллекции Музея Орсе.


Источник: Lutra lutra , фото - impressionism.ru, angelpastels.com

16 января 2009 года, в возрасте 91 года умер американский художник, картину которого я очень люблю и которая вызывает у меня целый набор чувств... Я сегодня хочу вспомнить и художника, и его картину.



Эндрю Уайет "Мир Кристины " 1948


Летом 1948 года Эндрю Уайет написал портрет своей соседки, девушки с больными ногами. Нам не видно выражения ее лица, но видно, что девушка с усилием пытается преодолеть расстояние, отделяющее ее от дома. Розовый цвет ее платья, такой заметный на фоне блеклой травы, еще больше усиливает чувство тревоги - что-то должно случится...

Когда художник закончил, и показал картину - она ни на кого не произвела особого впечатления. В октябре Уайет отправил картину в Нью-йоркскую галерею, и о картине заговорили... Посетители повалили в галерею толпами, и в конечном итоге картина " Мир Кристины" была приобретена музеем современного искусства (Museum of Modern Art) за 1800 долларов. Теперь ее стоимость исчисляется миллионами, а ее автору, Эндрю Уайету, в 31 год удалось то, чего многие талантливые художники не могут достичь на протяжении всей жизни - создать "культовую" картину.

Эндрю не раз ещё писал портреты Кристины, но не один из них больше не вызвал такого потрясения... До слез! Но сколько жажды жизни и движения!!!
Я сама каждый раз, когда её вижу - испытываю необъяснимое волнение... И жалость, и потрясение, и восхищение...

Эта картина у меня из разряда любимых. Нет, не самая-самая, но всё же...
Таких картин несколько. И отношение к ним, как к детям: нельзя выбрать из них самого любимого.
Так вот, эта картина -"Неравный брак" Василия Пукирева.



Когда первый раз квидела её (репродукции-то и раньше видела, но это совсем не то) в Третьяковке, сразу песня напелась "У церкви стояла карета..."
Обе они, и песня, и картина - как специально одно подобрано к другому, даже не надо никаких комментариев. Только слушать и смотреть...

"Неравный брак ... Что может быть проще взятого тут сюжета? Продажа и покупка невесты - это ли еще не сцена, которую всякий видит собственными глазами чуть не каждый день? И, однако, никто раньше Пукирева не запечатлел ее на веки веков на полотне: так все заняты были греческими героями и христианскими мучениками, точно будто бы и тут не герои и не мученики… Все русское общество горячо схватилось за эту картину и сразу глубоко полюбило ее. Академия принуждена была поскорее присудить Пукиреву профессорский диплом, даром что тут явилось одно из самых вопиющих дел: изображение ничтожной "домашней сцены" в размерах самой натуры, в тех размерах, в которых имеют право являться на свет одни высокие сцены, изображаемые истинным искусством. Это ли не торжество новой школы?.." (В.В. Стасов)

Эта картина - реальный момент из жизни художника. Пукирева разорили, а его любимая девушка вышла замуж за другого - более богатого. На картине трое написаны с натуры: невеста художника, ее муж и сам Пукирев - сзади, со скрещенными на груди руками.

"...Я слышал в толпе говорили:
- Жених неприглядный такой.
Напрасно девицу сгубили! -
И вышел я вслед за толпой..."

Владимир Маковский написал в 1887 году картину «На бульваре».



Между этой бытовой сценой и сегодняшним днем - пропасть. Далеко в небытие канула нищая, неграмотная Россия. Сюжет несложен. Но крайне типичен для той поры. В Москву из далекого села приехала молодуха с ребенком. Навестить мужа. Поделиться горестями с кормильцем. Комнаты или другого жилья, где можно поговорить, нет. Вот и сидят на бульваре супруги.
Жена убита поведением своего благоверного, неузнаваемо изменившегося.
Фатоватый, подвыпивший мастеровой, быстро ставший „городским", вальяжно развалился на скамейке.
Лихо заломив фуражку, в красной распахнутой косоворотке, он не обращает никакого внимания на свою половину.
Куражится…
Хотя на душе пакостно, погано: только намедни хозяин ни за что расквасил ему нос. Однако парень держит форс. Наигрывает на гармошке модную кадриль. «Эх, сейчас бы в кабак, повеселиться!». Да рядом - опостылевшая жена с грудным ребенком и денег нет. А рядом с ним его жена, крестьянка... Безысходность, скорбь в ее согбенной фигуре. Муж ее разлюбил, что ее ждет впереди - кастрюли, пеленки, мужнины попойки, побои да нищета. Заурядная история двух людей, простая и такая трагическая в своей обыденности.
Маленький жанр, казалось бы. Но сколько раздумий… Бездна острых наблюдений, мастерства в этом полотне...

А за несколько лет до создания картины "На бульваре" Владимир Маковский пишет „Свидание", как бы прелюдию темы приезда на побывку в город крестьянки из глубинки Руси. Только в „Свидании" к мальчонке прибывает мать.



Украдкой сидит она в сырых полутемных сенях и с болью в сердце горестно взирает на свое изголодавшее, нищее чадо. Истощавший малыш жадно гложет привезенный гостинец - калач.
Босой, в грязной рубахе, в обтрепанном рубище малец этот - живой пример бытия городской бедноты, с юности узнающей почем фунт лиха.
Не надо лишних слов, чтобы понять страшную правду этого маленького холста.
Только вглядитесь, как схожи образы женщин в обоих полотнах В.Маковского. Та же безысходная тоска в заплаканных очах, так же забиты ударами судьбы.
Сгорбленные спины крестьянок. Черные, туго повязанные платки. Истомленные думами лица.
Жестокая, неприкрашенная судьба...

 

Стоит отметить, что Моне, пожалуй, не самый загадочный живописец. Больше всего ученые бьются, конечно, над картиной Леонардо да Винчи "Джоконда".

Например, японский ученый доктор Сузуки постарался воссоздать голос Моны Лизы. Он определил параметры лица и рук изображенной женщины, и на их основе установил ее вес, а также создал вероятную форму ее черепа.

Эти данные были оцифрованы и помещены в компьютер. Следующим этапом стало создание голоса. Для этого была использована гигантская база данных, в которой хранится более 100 тыс. обработанных фотографий лиц и голосов их обладателей. Полученный голос по всем параметрам очень подходит Джоконде, заявил Сузуки. "Если судить по картине, нижняя часть лица Моны Лизы тяжелая, увесистая, - говорит он. - Что может означать, что она обладала достаточно низким голосом".

Как утверждает Сузуки, каждый человек обладает индивидуальным голосовым диапазоном. Ученый уверен, что ему удалось воссоздать голос Джоконды с максимальной точностью - на 90%.

Другим ученым удалось расшифровать улыбку Джоконды. "Теперь же можно сказать официально: Мона Лиза на картине Леонардо да Винчи была на 83% счастливой, на 9% - испытывающей чувство отвращения, на 6% - полной страха и на 2% - злой", - говорится в британском научном журнале "The New Scientist".

Расшифровка самой знаменитой женской улыбки в мире стала возможной благодаря новой компьютерной программе распознавания эмоций. Ее разработал ученый Нику Себе из университета Амстердама (Нидерланды) при поддержке ученых из университета Иллинойса (США). Алгоритм, получивший название Urbana-Champaign, анализирует главные черты лица, в частности изгиб губ и морщинки вокруг глаз, потом оценивает лицо по шести главным группам эмоций.
http://lady-club.ucoz.ru/
 

 

''Лондонский парламент в тумане'', Клод Моне

Экспертам не дают покоя живописные шедевры, так или иначе, отображающие реалии того времени, когда они были созданы. Часто ученые пытаются именно по картинам известных художников приблизиться к прошлому и понять, как и чем тогда жили люди. Такому вот анализу подверглись полотна Моне лондонского периода. 

Клод Моне трижды приезжал в Великобританию между 1899 и 1901 годами и создал в этот период 95 картин. Большинство из них не датированы, поэтому у искусствоведов не было единого мнения о том, все ли полотна были написаны с натуры. И уж тем более, настоящий ли лондонский смог изображен на них. Ведь он мог быть лишь плодом воображения автора, особенно в том случае, если Моне начинал работать над картинами в Лондоне, а дописывал их по памяти уже в Париже.

Специалистам Бирмингемского университета и Военно-морской обсерватории США удалось проанализировать шедевры. Специалисты уточнили положение солнца в тот период, когда Моне работал в Лондоне, и сравнили это положение с запечатленным на картинах. Исследование показало, что все сюжеты Моне реальны. Все лондонские пейзажи были сделаны с натуры между 13 февраля и 23 марта 1900 года в дневные часы. Кроме этого, ученым удалось узнать место написания полотен. Художник работал на крытой террасе второго этажа административного здания больницы святого Томаса, расположенной на противоположном от парламента берегу Темзы.

Исследование помогло убедиться в том, что смог на картинах реален. Таким образом, шедевры Моне стали свидетельством экологии тех времен.
"Эта информация дает нам возможность подробно изучить экологический кризис в Лондоне начала XX века", - говорит д-р Джекоб Бейкер, автор проекта.

www.rian.ru